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1966 | Gaur konstelazioak | 2016

La exposición organizada por la Fundación San Sebastián 2016 y el Museo San Telmo se podrá visitar del 23 de enero al 15 de mayo. Con Fernando Golvano como comisario, la exposición recoge dos contextos artísticos separados por 50 años: el movimiento Gaur y el Kairós contemporáneo. Asimismo, se rendirá un homenaje a la figura y galería de Dionisio Barandiaran -lugar donde se presentó el Grupo Gaur y se realizó la primera exposición-.

  • Del 23 de enero al 15 de mayo de 2016
  • De martes a domingo, 10:00-20:00
  • Martes, entrada gratuita
  • #GaurKonstelazioak

Amable Arias, Rafael Ruiz Balerdi, Néstor Basterretxea, Eduardo Chillida, Remigio Mendiburu, Jorge Oteiza, José Antonio Sistiaga y José Luis Zumeta forman la constelación más importante y renovadora del arte vasco. A mediados de los años sesenta, en un contexto hostil para la libre creación cultural y  política a causa de la vigente dictadura franquista, se agruparon bajo la denominación de Gaur y se presentaron con una exposición y un manifiesto en 1966 en la Galería Barandiaran (Donostia / San Sebastián). Se cumplen cincuenta años de aquel acontecimiento cultural y disidente que reunió a artistas con poéticas y elecciones artísticas diversas. Latía también un anhelo de recuperación de una herencia moderna del arte, una Escuela Vasca, que había sido truncada por la guerra civil y la dictadura, y por ello promovieron la creación de otros grupos: Emen / Aquí (Bizkaia), Orain / Ahora (Araba), Danok / Todos (Nafarroa) y Baita  / También (Iparralde). Fue un deseo sublimado de una vanguardia artística que tenía en Oteiza y Chillida a sus representantes más reconocidos en el ámbito internacional. Las diferencias en el seno de Gaur y entre los diferentes grupos sobre cómo entender el arte y sus implicaciones con el contexto social y político, condujeron al final de esa aventura colectiva y al cierre de la galería. Quedan sus obras que siguen interpelando poéticamente a nuestra imaginación y sensibilidad.

Al hilo de esta exposición se le quiere rendir un homenaje a Dionisio Barandiaran (Ataun, 1927-1979) ya que fue él el mecenas de esta galería que organizó exposiciones de arte compuesto (1965 – 1967).  A pesar de su corta trayectoria esta galería fue muy importante en la renovación del arte y cultura del País Vasco: fue la sede del Gupo Gaur y de otros colectivos asociados como Ez Dok Amairu (música popular), Argia (danza) y Jarrai (teatro). Asimismo, programó exposiciones, audiciones y coloquios de poesía y música contemporánea, y otros eventos que tuvieron que sortear la limitaciones de la censura imperante.

En Kairós participan ocho artistas —de generaciones posteriores a las de los artistas que participaron en el Grupo Gaur y de realidades nacionales diferentes— Txomin Badiola, Bojan Fajfric, Goldschmied & Chiari, Iratxe Jaio + Klaas van Gorkum, Eugenio Ortiz, PSJM, Avelino Sala y Azucena Vieites. Sus obras establecen una diálogo entre sí y, al mismo tiempo, con las obras del contexto de los años sesenta realizadas por los artistas de Gaur.

1966 | 2016: dos contextos socio-históricos, dos constelaciones del arte que proponen nuevas figuras de lo pensable y de lo experimentable.

De manera complementaria a la exposición el artista Blami ha presentado una intervención relativa a la efeméride de la presentación del Grupo Gaur en 1966 que consiste en el diseño de una camiseta con una imagen-memoria de ese grupo.

Gaur en paralelo

Además de la exposición del Museo San Telmo otros espacios han programado exposiciones relacionadas con el Grupo Gaur y sus artistas.

Actividades

Puertas abiertas

23 de enero, de 20:00 a 23:00.

Talleres familiares

Metraje sin fin, Perro azul, Laboratorio de tizas

Talleres juveniles

Taller de personalización de camisetas con Blami dirigido a público joven.

Proyección

Dentro del ciclo "Patrimonio vasco a la pantalla” proyección de Ere erera baleibu Izik subua aruaren... de Sistiaga (1968-70) (75 min) en Tabakalera. 10 de marzo, jueves. 19:00 / 3,5 €.

Jornadas

Grupo Gaur. Memoria y acontecimiento. 20 - 21 de abril.

Seminario

Kairós. Contextos críticos, arte y escritura. 26-27 de abril.

Nota: consulta todas las actividades relacionadas con 1966 | Gaur konstelazioak | 2016

Visitas guiadas

  • 23 de enero, larunbata, 11:00. Visita a las exposiciones paralelas de 1966 | Gaur konstelazioak | 2016 en San Sebastián, guiada por Fernando Golvano. La visita comenzará en el Centro Cultural Okendo (con obras de Basterretxea, Sistiaga y Zumeta), continúa en Kur Art Gallery  (con obras de Mendiburu y Amable Arias) y finaliza en la galería Altxerri (con obras de Balerdi). Gratis.
  • 12 de marzo. Visita al Museo de Bellas Artes y Chillida-Leku.Gratis. Aforo limitado. Euskera y castellano. Para inscribirse: Esta dirección electrónica esta protegida contra spambots. Es necesario activar Javascript para visualizarla / 943 483344.
  • 19 de marzo. Visita al Museo Fundación Jorge Oteiza. Gratis. Aforo limitado. Euskera y castellano. Para inscribirse: Esta dirección electrónica esta protegida contra spambots. Es necesario activar Javascript para visualizarla / 943 483344.
  • Todos los sábados (a partir del 30 de enero): a las 12:30 en euskera, a las 17:30 en castellano. 3€ +entrada al museo. Para estas visitas no es necesario inscribirse.
  • Grupos. Reservar visitas para grupos: Esta dirección electrónica esta protegida contra spambots. Es necesario activar Javascript para visualizarla   / 943 481561

Biografías breves

DIONISIO BARANDIARAN (Ataun, 1927 - Donostia, 1979)

Nacido en Ataun, al iniciarse la guerra civil se traslada a residir en casa de unos familiares en la plaza Easo de la capital donostiarra. En su juventud tuvo que conciliar trabajo en una cafetería y estudios en la Escuela de Artes y Oficios. Posteriormente, se dedicó a trabajos en el sector de la hostelería y de la construcción.  Construyó el Hotel Euromar en Zarautz donde abrió una escuela de hostelería que sería pionera en Euskadi. En el Euromar se celebraron diversos eventos culturales. En uno de esos eventos conoció a Sistiaga y a Amable y surgió la idea de abrir una nueva galería.

Barandiaran, de profundas convicciones cristianas y compromiso nacionalista,  fue un gran emprendedor en sus actividades empresariales ,y en el ámbito de la cultura además de la galería abrió un cine. No pudo concluir la escritura de sus memorias, debido a su prematuro fallecimiento cuando contaba con 52 años. Fueron editadas bajo el título de Azarolako Dunixi en el año 2009.

La figura de Dionisio Barandiaran merece un reconocimiento público por su generoso y valiente mecenazgo en el impulso de la Galería que llevó su nombre y denominada por Oteiza como Productora de exposiciones de arte compuesto. A pesar de su corta trayectoria (de noviembre de 1965 a diciembre de 1967) esta galería fue un espacio de encuentro y diálogo entre las artes y, también, entre una cultura de vanguardia vinculada al arte, la poesía y la música, y otras manifestaciones de una cultura popular vasquista que emergió en un contexto franquista en el que las libertades y el euskara estaban prohibidas.

BARANDIARAN GALERIA (1965-1967)

Productora de exposiciones de arte compuesto

Situada en la calle Bengoechea, 4 Donostia / San Sebastián, esta galería fue la sede del Gupo Gaur y de otros colectivos asociados como Ez Dok Amairu (música popular), Argia (danza) y Jarrai (teatro), y programó exposiciones, audiciones y coloquios de poesía y música contemporánea, y otros eventos que tuvieron que sortear la limitaciones de la censura imperante. El poeta experimental Julio Campal fue su primer director y posteriormente fue reemplazado por Santi Díaz. El Grupo Gaur se presentó con una exposición y un catálogo que incluía un manifiesto que promovía la convergencia de artistas en defensa de su libertad creativa y de sus proyectos. Las dificultades de financiación, las diferencias sobre el devenir de esos grupos asociados y la apertura de las actividades a otros pueblos, centros de estudio y trabajo suscitarían diferencias y controversias que, junto a las confrontaciones que surgieron entre las personas adscritas a diversas organizaciones y militancias antifranquistas, condujeron al fin de ese proyecto innovador.

AMABLE ARIAS (Bembibre, 1927 - Donostia 1984)

Este artista y poeta que simpatizaba con el marxismo crítico escribió en 1969: «El arte está pues a favor de algo y en contra de algo. Aún en el menos realista hay un escoger. Una forma de escogerse en el mundo. (…) El arte es pues como la ciencia, como la filosofía, como la teoría crítica. Busca lo mismo con materiales diferentes». Cultivó la heterodoxia artística mediante un universo visual y poético para transitar entre lo real y lo imaginario. Con la ironía y la sátira como recursos para litigar con el mundo y los deseos.

RAFAEL RUIZ BALERDI (Donostia, 1934 - Altea, 1992)

Tras un viaje a París en 1956 su pintura se orienta hacia un informalismo abstracto que trama mediante una acción gestual que repite de modo a la vez compulsivo y racional. Escribió: «hay que aprender a vivir la repetición», y diríase que ese gesto crea formas nuevas, desde su prodigioso dominio del dibujo y del uso del color, cristaliza en formas orgánicas y geológicas que configuran paisajes imaginarios evocados desde dexperiencias reales o del hacer imaginario. A partir de  1977 inicia sus formidables series de ceras.

NESTOR BASTERRETXEA (Bermeo 1924 - Hondarribia, 2014)

Ninguna modalidad creativa le fue ajena: dibujo, pintura, gráfica, collages, relieves, esculturas, diseño gráfico e industrial, cine y escritura. Desde un primer interés por la vanguardia moderna del racionalismo abstracto, a mediados de los años sesenta fue incorporando otras elecciones artísticas más vinculadas al informalismo expresionista. Esta poética toma forma en sus series escultóricas como la Cosmogónica Vasca (1972-1977), que recrean un imaginario mítico y ancestral para una identidad contemporánea.

EDUARDO CHILLIDA (Hernani, 1924 - Donostia 2002)

En 1951 inicia sus trabajos escultóricos en hierro, como los de la serie de Yunque de sueños. Otros materiales como la madera, la terracota, el alabastro, la cerámica, el hormigón, el acero y el papel, también adquieren resonancias plásticas y poéticas en una imbricación misteriosa de lo ancestral y lo contemporáneo. Sus esculturas o collages son lugares de encuentro. En 1958, recibe el Gran Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia. Sus libros de artista creados en diversas modalidades gráficas van acompañados de textos de notables poetas, escritores y filósofos.

REMIGIO MENDIBURU (Hondarribia, 1931 - 1932)

En 1966 expone con el Grupo Gaur y posteriormente participa en la Bienal de Venecia. Interesado en dar una forma nueva al imaginario popular, elige un hacer constructivo de signo abstracto de informalista. Primó la utilización de la madera y renovó la tradición constructiva mediante el ensamblaje de piezas unidas con tubillones como en Argi hiru zubi (1968-1977). Utilizó también el bronce y el alabastro, y a finales de los setenta indaga en nuevos usos de materiales como el hormigón. Mediante el dibujo traza formas orgánicas que serán matrices que incorpora a sus esculturas.

JORGE OTEIZA (Orio, 1908 - Altzuza 2003)

El arte tiene una función formativa de la sensibilidad y ayuda a litigar con la condición trágica de la existencia humana. Desde este postulado Oteiza promueve una poliédrica creación artística, poética e intelectual que va de la escultura a la poesía y a la acción cultural. Tras su Propósito experimental (1956-57), con el que gana el Premio Internacional de escultura en la IV Bienal de Sao Paulo, y sus últimas cajas metafísicas que condensan un vacío conclusivo y receptivo para una espiritualidad liberada, abandona su práctica artista en 1959 y se volcará en la creación poética, ensayística y en la colaboración con proyectos arquitectónicos.

JOSE ANTONIO SISTIAGA (Donostia, 1932)

En su estancia en París (1955-1961) se interesa por la pintura conocida como nuagisme y por la serenidad zen. La pintura informalista y abstracta de Sistiaga surge de una acción paradójica, pues anuda un trazo espontáneo y calculado. Diríase que evocan ecos musicales, o reminiscencias visuales de la naturaleza, la noche y el cosmos. Fue pionero de la experimentación de la pintura en soporte fílmico, siendo Ere erera baleibu izik subua aruaren... (1968-70) su primera obra. La acción dinámica cifrada en sus pinturas se vuelve narración temporal de formas gestuales y cromáticas.

JOSE LUIS ZUMETA (Usurbil, 1939)

También a este artista, que era el más joven del grupo Gaur, un viaje a París en 1959 le permitió conocer las diferentes tendencias del arte moderno. En su pintura se reconocen elecciones formales diferentes que van de una abstracción expresionista (con afinidades con el art brut) a una figuración expresionista o en otros momentos de signo pop. A finales de los sesenta realiza murales sobre diferentes soportes y relieves como alguno que se presentan en esta muestra. También realizó móviles y pinturas expandidas hacia la forma escultórica. El color adquiere un protagonismo notable en sus composiciones.

PSJM (Berlin, 2003)

Pablo San Jose (Mieres, 1969) y Cynthia Viera (Las Palmas, 1973)
PSJM se comporta como una marca comercial de arte último que plantea cuestiones acerca de la obra de arte ante el mercado, la comunicación con el consumidor, sus funciones estéticas y las paradojas que surgen en el desarrollo actual del capitalismo espectacular hegemónico. Historia Natural se compone de una serie de obras en las que los artistas desarrollan con nuevas formas y técnicas un lenguaje propio que ya avanzaran en series anteriores: composiciones abstractas que responden a datos estadísticos, y que en este caso reflejan la realidad de nuestro ecosistema, dañado fatalmente por la producción y consumo masivo de combustibles fósiles.

AVELINO SALA (Gijón, 1972)

Es artista, comisario y editor (revista Sublime). Vive y trabaja en Barcelona. Desde su práctica artística trata de explorar el imaginario social y privilegia la dimensión crítica del arte para generar tomas de posición frente a la realidad actual. En El arconte (2015), asocia cuestiones como el poder (representado en la figura griega del arconte), la censura, la defensa de la educación pública y recuperación del proyecto ilustrado mediante la máxima latina Sapere Aude! (¡atrévete a saber!). En su serie sobre los escudos del proyecto La tortuga (2015) se vale de la ironía para enfatizar el papel resistente de la acción artística que puede establecer una memoria de lo real y de lo imaginario.

TXOMIN BADIOLA (Bilbo, 1957)

El arte puede construir formas complejas que integran diferentes objetos, imágenes y textos que revelan una autorreflexión sobre su propia complexión y sentido. De ese modo indaga en la propia historia del arte o de lo social. La construcción formal es lo decisivo, su poder negativo respecto al sentido establecido se muestra en un kairós de elecciones críticas (éticas, estéticas y políticas). En su obra MITOLOGÍAS. ATZO / HAN / ONDOREN / BATZUK, realizada para esta muestra, establece un diálogo con la memoria del grupo Gaur, con sus significaciones históricas, culturales y con la recepción de esa mítica constelación en otras iniciativas artísticas posteriores como la del colectivo EAE.

EUGENIO ORTIZ (Hondarribia, 1956)

Entre la pintura y el objeto escultórico, sus obras traman una forma constructiva y simbólica con diversos enlaces intertextuales. Plaza Hamelin (2012) problematiza plásticamente la necesidad de figuras y espacios que orienten nuestro itinerario vital. En Ceremonia (2015) recrea una memoria de Mallarmé y su indagación poética que anhelaba la búsqueda de un absoluto a la vez que reflexionaba sobre su imposibilidad. Queda así una tentativa poética restringida al hacer de la escritura y que pueda litigar con el azar que recorre toda existencia. Ortiz, mediante su pieza-instalación, establece reminiscencias con Mallarmé y con otros artistas (Duchamp), poetas (Celan) o pensadores (Badiou o Ranciére).

AZUCENA VIEITES (Hernani, 1967)

Vive y trabaja en Madrid. Participa en el colectivo Erreakzioa-Reacción, un espacio de creación artístico y cultural de orientación feminista. Con recursos como el dibujo, el collage, la gráfica o la instalación despliega un dispositivo de apropiaciones intertextuales de fanzines y publicaciones que le permite enunciar una forma crítica. Desde su propuestas integradas en la serie New Feminism (2008) hasta las instalaciones que presenta en esta muestra, Fundido encadenado–Break You Nice (2012) y Producciones low-fi (2015), Vieites se interesa por la inmigración, la precariedad laboral, la violencia machista, la sexualidad o las nuevas realidades corporales. Las imágenes dislocadas o fragmentarias vendrían a impugnar los discursos totalizantes.

IRATXE JAIO + KLASS VAN GORKUM

Markina-Xemein, 1976 | Delf, 1975
Inician su colaboración en 2001. Viven y trabajan en Rotterdam. Sostienen que la práctica artística debe ser entendida como una modalidad reflexiva y política. Sea sobre el problemático estatuto de una verdad arqueológica —como la referida a la controversia de los vestigios hallados en el yacimiento arqueológico en Iruña-Veleia—, o sea sobre las querellas relativas a la cuestión de lo original, la autoría y las poéticas de la apropiación en la historia de arte, desarrollan una acción reflexiva e investigadora que toma la forma final de una puesta en proceso y cultura. Conciben el arte como una práctica que se teoriza, como una memoria crítica que renueva una antropología y una política de lo común.

BOJAN FAJFRIC (Belgrad, 1976)

Vive y trabaja en Amsterdam. Se interesa por los lenguajes fílmicos que disuelven las fronteras entre las convenciones de los géneros y también por la potencia formal de las imágenes para movilizar un haz de sentidos y sinsentidos. Una extrañeza irónica está presente en las dos instalaciones que presenta: tanto en el remake de una obra de Bas Jan Ader, un conocido artista holandés, como el filme The Cause of Death (2015). La estructura compositiva, el trabajo de la forma y la distancia irónico-paródica vinculada a la poética del absurdo se imbrican en un hacer documental que manifiesta nuevas ficciones y resignificaciones.

GOLDSCHMIED & CHIARI

Sara Goldschmied (Arzignano, 1975) eta Eleonora Chiari  (Roma, 1971)
Viven y trabajan entre Milan y Roma. Se valen de fotografías, collages, vídeos, objetos o instalaciones para actualizar la dimensión crítica del arte contemporáneo que, desde su autonomía, perturba o impugna los imaginarios sociales instituidos. Por ejemplo, en La Democratie est Illusion (2014) focalizan la atención en cómo ese régimen de la autoinstitución explícita y de la autolimitación puede devenir en un juego de ilusiones y de marketing en manos de las élites políticas y económicas. La distancia irónica que permite el régimen estético del arte puede neutralizar un telos propagandista, moral o sagrado del mismo. Desde ese postulado estas artistas, sin dejar de actualizar una mediación crítica y un enigma estético, apelan a un diálogo con los diversos públicos.

     


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